【歌舞伎完整指南】必看重点、观赏方式及须知礼仪一篇搞懂！

歌舞伎的起源可以追溯到自战国时代末期，到江户时代早期的1603年，是由一位名叫「出云阿国」的女性在京都创立。
歌舞伎的语源来自于「倾く」一词，意指模仿当时流行的前卫奇特服装和不拘泥于既有思想的「倾奇者」的装扮，这便是现在歌舞伎的根源——「倾舞」 。
伴随「倾舞」」逐渐流行起来，随后出现了游女等女性表演的「女歌舞伎」以及少年表演的「若众歌舞伎」。然而，由于被认为有损风纪，这些表演形式皆被当时的幕府禁止。于是，出现了以成年男性为主的「野郎歌舞伎」。这种由男性演绎女性角色的表演方式成为了现代歌舞伎的基础。
从此，歌舞伎在以「江户」（现在的东京）和「上方」（现在的大阪和京都）为中心的地区逐渐发展起来。

歌舞伎从日本古典艺术「能」、「狂言」、「文乐」、「落语」中汲取有趣的剧情和受欢迎的表演形式，并不断自我发展。在守护传统的同时，歌舞伎也不断吸收着新的元素，奠定了戏剧+舞蹈+音乐的三大要素。当时的日本民众对这种创意新颖的戏剧着迷不已，热情高涨，可以说那时的歌舞伎剧场就如同现代的「演唱会现场」一般热闹非凡。

许多歌舞伎演员从小就开始学习日本舞蹈、长呗、三味线等各种技艺。有家族世代相传的歌舞伎演员，也有直接成为歌舞伎演员的弟子或养子之后成为演员，还有一些人会进入歌舞伎演员的培训学校修行后，最终成为歌舞伎演员。
如前所述，由于历史原因，舞台上的表演者基本上全是男性。
男性角色叫做「立役」，女性角色叫做「女方」，都各自拥有其特有的美学。
以美丽姿态吸引观众的女方，看起来仿若少女，实际上也是由男性演出的。这些演员通过化妆和佩戴假发，不仅模仿女性的行为举止，连外形、声音和动作都仿若真正的女性，这常常让观众误以为歌舞伎中有女性出演。
能做到这一点实际上是需要付出相当的努力哦～。

首先，女性角色「女方」的基本姿势是一定要将肩胛骨向内靠拢。
大家也可以站在镜子前，试着将左右肩胛骨向背部中央靠拢。这样一来，自然会感到颈部伸展，肩膀看起来也变窄了吧？透过这种方式，不仅可以展现出优美的颈部线条，表现出女性的柔美，还可以使肩膀看起来更窄，让身形看起来比男性更娇小。
再进一步，要将腰部下沉，双膝内侧靠拢，这样的姿势可以让人看起来比一般男性更小一圈。
上面这些还都是最基本的姿势。实际尝试这个姿势时，相信大家会发现这需要相当的体力和毅力。
那些华丽优雅、动作轻盈的女方演员们，正是通过令人难以想像的努力，才能在舞台上展现出令人惊艳的美。

还有，同样是女方，也有各种不同的角色。
从年轻的公主到年长的妇人，不仅要表现出年龄，还要体现出角色的身份。不仅仅是靠假发和衣装，还要通过动作和细节来区分角色的身份、年龄的差异。
以「哭泣」这一动作来说，不同的角色会有不同的表现方式。
如果是公主角色，一定不会把手从和服的袖子里伸出来。在哭泣时会用袖口遮住眼睛来表现。
而同样是年轻女性的角色，如果是平民女性，则不是用袖口，而会用和服的袖筒（即和服袖子垂下来的部分）来遮住眼睛哭泣。如果是身份高贵的女性该怎么办呢？答案是会用道具。会使用折叠好的懐纸（对折的和纸），而游女则会从和服的袖口露出一点襦袢（即和服的内衬）来表现。

如同上面的介绍，即使是哭泣这样的一个动作，根据角色的不同，其表现方式也各有不同。
因此如果大家在舞台上观赏女方的表演时，请一定要注意她们细腻的表演哦～！

在表演歌舞伎时，各种角色都要化妆。其中有几种特定的化妆风格，通过这些妆容可以看出所扮演角色的性格、身份等人物形象。而且，化妆是由演员本人在每次公演前亲自完成的！
首先，会将整张脸涂上一种颜色，这被称为「地色」。通过这个地色，基本上已经可以辨别角色的类型～。

就像上面提到的这样，通过脸部的底色，可以判断出角色的性格和身份。
然后在这个基础上，加入眉毛、口红、腮红、胡须等元素，歌舞伎演员称这种化妆为「做脸」。
在立役（男性角色）中，还有一种叫「隈取」的特殊化妆方法。这是一种用笔在脸上绘制线条，然后用手指进行晕染的化妆技法。 「隈」的意思是光与影的交界处，类似于现代人平常化妆中的高光和修容，这是歌舞伎特有的化妆方式，用来夸张地描绘面部的血管和肌肉。

大家提到歌舞伎演员时，会联想到什么样的化妆呢？或许不少人会想到脸上画有红色线条的妆容吧？这就是所谓的「隈取」。脸上画有很多红线的角色，通常是称为“阳”。也就是说，他们会代表正义的化身或血气方刚的年轻人，类似于现代所谓的「超人」。而且，红色线条越多，这种性质就被夸张得越明显哦～。
同一个角色在不同场景中，隈取化妆时的数量也会有所变化。
既然有“阳”当然也就会有“阴”的角色。画有蓝色或茶色隈取的角色，通常是大恶棍或是妖怪！特别是画蓝色隈取的角色，意味着强大的坏人，甚至是怨灵，而茶色的隈取则通常代表鬼怪等角色。

也就是说，通过观察歌舞伎演员的化妆，观众可以一眼看出这个角色是「正义的化身」还是「反派角色」或「妖魔鬼怪」。即使故事情节较为复杂，也可以通过观察化妆来理解故事的发展呢～。
此外，除了阳和阴的角色，还有一类叫“三枚目”的角色。虽然是红色的隈取，但却以动物等为主题，线条幽默滑稽，通常代表小丑或搞笑的角色。

在欣赏歌舞伎时，还请千万别忘了注意假发和衣裳。
首先是关于衣裳。
衣裳是歌舞伎的主要魅力之一，极为华丽奢华。这些衣裳一般都是由正绢制成，特别是「倾城」——游女中最高位角色的衣裳，据说总重量会达到30公斤甚至40公斤！对于必须穿着这些衣裳进行表演的歌舞伎演员来说，绝对是一项巨大的挑战，但对于观众来说，这些衣裳真的非常豪华，当倾城登上舞台的那一瞬间，华丽到耀眼的衣裳会让人目不转睛！

在表演歌舞伎时，有一种叫做「打返（ぶっ返り）」的技法，用来表现角色性格发生巨大变化的情节。比如当妖魔伪装成人类，而后展现其隐藏的真实身份时，就会使用打返。这一技法是在舞台上让观众能清楚地看到，演员将上半身的和服翻转垂下，露出里面鲜艳的花纹。

接着说说假发。
假发大致是按照江户时代的习俗制作的。假发的种类繁多，据说多达千种以上！
在歌舞伎中几乎每个角色都有特定的假发设计规范，其中把头发绑起来并形成弧形的部分称为「曲」，它的形状、粗细以及弯曲的角度等都会根据角色而变化。
也就是说，从假发的形状即可看出角色的年龄、境遇、职业、性格等特征。

例如，对于女方角色来说，可以从假发的形状和发饰来判断该角色是否已婚，是否富有或贫穷等。
假发上的装饰品也能透露出角色的身份和年龄。
前面提到的「倾城」角色，除了30公斤甚至40公斤的衣裳，还会使用多达20个大型的簪子和梳子，总重量据说超过3公斤哦～！
假发也和隈取妆容以及衣装一样，可能会在演目中发生变化。
比如在表现切腹等惨烈场面的场景中，演员会在观众面前解开原本整理整齐的发型，使头发看起来凌乱。
顺便一提，假发不是事先制作好的。当演目和角色确定后，假发匠人、发型师和歌舞伎演员三人会进行详细的商讨，并根据角色的需求来制作假发，相当细致吧～。

歌舞伎裡還有一種叫「早替」的演出方式，指的是快速更換衣裳和假髮等造型的表演技法。當一位歌舞伎演員在一個場景中扮演兩個或更多角色時，他會在短時間內更換衣裳、假髮，甚至連化妝都換掉，以全然不同的角色形象重新登場。
由於換裝速度非常快，並且經常從與退場時不同的位置登場，觀眾往往感覺彷彿在觀看魔術表演一樣。
這樣的表演使得觀眾可以欣賞到受歡迎的歌舞伎演員在同一場戲中演繹不同的角色，無論是立役還是女方都可以見到。某些演目甚至會讓一名歌舞伎演員扮演超過10個不同的角色唷！
歌舞伎的魅力不僅在於演員們精湛的演技，還包括衣裳、假髮和化妝等多次元的視覺享受～。

在观看歌舞伎时，如果觉得「真的太棒了！」或「真美！」时，请务必向歌舞伎演员鼓掌喝彩。
不过有些人可能会担心「想鼓掌，但掌握不好时机...」。
不用担心！其实，有一个拍手时机非常明显的瞬间哦～！
在舞台上，歌舞伎演员有时会在表演途中突然静止，摆出一个动作并一动不动。这就是所谓的「见得」，当歌舞伎演员的情感或剧情发展到高潮时，他们会停止动作并摆出姿势。当演员做出见得时，请一定要热烈鼓掌！ 。
见得通常会伴随后面提到的效果音「柝」的打击声，因此鼓掌喝采的时机其实很容易分辨～。

顺带一提，在日本，表现出夸张的态度，或是自信满满的样子被称为「见得を切る」，这个表现的来源正是来自歌舞伎中的「见得」。

在观看歌舞伎时，可能会看到突然出现在舞台上却又突然消失，全身黑色和戴着黑头巾的人，他们是何角色呢？
这些人被称为「黑衣」，负责在表演中清理不再需要的小道具，或者从舞台侧边拿取需要的物品，忙里忙外地支援着歌舞伎演员的表演。
其实，按照歌舞伎舞台与观众的约定，这些穿着黑衣的人在观众的视线中是“不存在的”，因此请忽视他们吧～。
另一方面，也有一些支援人员是脸部可见且穿着袴装的，这些人被称为「后见」。他们也负责清理小道具，并在舞台上帮助演员更换衣裳。这些角色对于舞台顺利进行至关重要，通常由歌舞伎演员的弟子直接担任。

以上为大家介绍了歌舞伎的视觉享受，接着为大家讲解如何享受歌舞伎的音声。
歌舞伎的背景音乐和音效基本上全部都是现场演奏！
从这个角度来看，歌舞伎是一种既能享受表演又能欣赏音乐的娱乐形式。

首先是背景音乐。
三味线伴奏通常用来解说舞台上的场景状况，或者表达登场人物的心境和情感，起到类似旁白的作用。演奏通常在舞台的上手（即面朝舞台右侧）或下手（即面朝舞台左侧）进行，有时在舞蹈表演中，演奏者会在歌舞伎演员后方的阶梯的座位上演奏。背景音乐主要有四种形式：「长呗」、「常磐津」、「清元」和「义太夫」。

各种效果音当然也是现场制作的哦～。
这些声音由位于舞台下手的黑色幕帘后的小房间内发出，为歌舞伎的演出增添不小气氛。
例如，如果听到好像下雨声，那是由「雨団扇」制作的声音。团扇的表面附有珠子，当摇晃时，会发出类似雨滴的声音。
风声也是通过道具制作的。一个覆盖着布料的锯齿状木轮被旋转时，布料与木轮摩擦，会发出的风声。像这样，表达场景的声音都是在现场通过道具来制作的。
不仅是情景音效，还有动物叫声的模仿，例如青蛙的叫声，是通过摩擦贝壳来制作的呢～。

此外，当戏剧的幕布拉开时，会响起「Chong-Chong」的效果音。这是使用两块长方形的木片，叫做「柝」的道具敲击而发出的声音。在拉开幕布或闭幕时，会快速敲击「柝」。
同样，在演出中，有时会响起用两块木板（ツケ木、ツケ板）敲击发出的巨大效果音。这个声音是由舞台上手（即面朝舞台右侧）端的专业人员「敲打师（ツケ打ち师）」演奏的。当需要强调脚步声或物体撞击声时，会根据歌舞伎演员的动作来敲击柝。这种效果音也用于上面提到的演员做出「见得」动作时的场景中。
请仔细聆听各种音乐、歌声和效果音，好好享受一场宛如管弦乐般的演出吧～。

歌舞伎的舞台与舞台装置也相当有看头。
从观众正面看到的舞台其实是「旋转舞台」。这是一个切割成圆形的「盆状舞台」，可以360度旋转。
舞台场景的大道具放在这个旋转盘上，通过旋转来实现故事场景的转换（当前场景的背面已经提前布置好下一个场景的背景和建筑）！
现在，这种旋转舞台已经被世界各地的戏剧所采用，但其实旋转舞台最早起源于歌舞伎呢～！
据说是在1758年，由狂言作家并木正三受到陀螺旋转的启发而设计的。
过去的旋转舞台是依靠人力来转动的，而现在基本上是电动的。不过，在一些古老的戏院里，至今仍然使用人力来转动舞台。

观众席的下手侧有一条道路，称为「花道」，用于演员的出场和退场，或者作为舞台的延伸部分使用。
当人气演员伴随着「Charin!」的声音从观众席后方的幕布「扬幕」登场时，整个会场会立刻充满兴奋和高扬感！
虽然花道是舞台的一部分，但由于位于观众席内，因此观众会感觉与歌舞伎演员的距离更近，增加了互动感。
从观众席后方登场的演员，通常会在被称为「七三」的位置暂停，摆出姿势或进行表演哦～。
之所以称为「七三」，是因为这个位置距离扬幕和舞台的距离比例约为「7:3」。这个位置还专门设有一个可让演员升降的舞台装置，设计精巧的机关被称为「鳖（すっぽん）」。
从「鳖」登场的通常是妖术师、幽灵或化身为人的狐狸等「非人类」角色。

此外，还有一种名为「宙乘」的表演，歌舞伎演员会被悬挂在钢丝上，从正面的舞台一下移动到二楼座位，或者在舞台上空飞行。这种高难度的演出方式虽然让人感觉是近年才出现的，但实际上早在1700年左右就已经在使用了～！
正是这样的创新设计，让歌舞伎在每个时代都能吸引观众的目光。

接下来为大家介绍分别位于东京、大阪和京都，最推荐观赏歌舞伎的主要剧场。

对于有这样需求的朋友，在此为大家推荐一个网站，可以在去剧场观看歌舞伎的前后，在家中进行预习和复习。
这个网站名为「KABUKI ON DEMAND」，专为海外观众提供带有英文字幕的舞台影像！
请参考本篇文章，去上面的网站查卡以下！
文章中介绍的照片也正在「KABUKI ON DEMAND」上播放。
例如，大家可以在《助六由縁江户樱》这个节目中，实际看到「倾城」的华丽衣裳和演员摆出「见得」姿态的画面～。

此外，在叫做《车引》的节目中，可以清楚地看到「隈取」的风格。主角梅王丸使用的是称为「筋隈」的隈取，而另一位主角藤原时平则使用「公家荒」的隈取。
大家现在能仅凭隈取来判断角色的性格了吗？如果能做到这一点，那么万分恭喜！因为您已经是相当厉害的歌舞伎高手啰～！

以上为大家介绍了为了120%享受歌舞伎乐趣的基本知识与重要看点，有没有觉得很吸引呢？
歌舞伎是日本引以为豪的传统与历史文化的结晶，是日本文化中顶级的娱乐形式。
各位来日本旅游时，务必请观赏一场歌舞伎的公演，体验一段非日常的美好时光吧～！